Desmontando a Woody Allen

“Te levantas por la mañana, escribes en tu habitación. Todo es genial porque no hay ninguna presión. Escribes e imaginas que todo es perfecto. Pero luego, cuando tienes que sacarlo y hacerlo, la realidad se hace presente. Entonces todos tus planes de hacer una obra maestra se reducen a: Me prostituiré de la manera que sea para sobrevivir a esta catástrofe.”

Este mes de diciembre cumple años un artista sinigual. A sus 81 años el director neoyorkino cuenta con 51 películas y una serie de televisión recién estrenada. Es el embajador por excelencia de la tragicomedia en el cine contemporáneo y desde que empezó nuca ha tenido vacaciones; el día en que termina un rodaje es el día en que empieza a preparar su próximo trabajo. No faltan rumores y anécdotas sobre Woody Allen, excéntrico y neurótico por naturaleza.

Woody Allen

Ha sido nominado al Óscar 24 veces (como actor, director, guionista y productor) de las cuales en cuatro ocasiones fue ganador. El último premio fue al mejor guion original por Medianoche en París. Como reflejo de su anárquico proceso creativo podemos encontrar el nacimiento del mencionado guion, que comenzó con la huérfana y solitaria idea del título de la película. El director se niega a acudir a la ceremonia de entrega de premios ya que afirma: “De verdad siento que no saben lo que hacen. Cuando veo que grandes artistas no reciben el premio me doy cuenta de lo insignificante que es”. Para él no es una medalla como la que se le da al atleta más rápido en llegar a la línea de meta, no considera verdadero el juicio de decir que una película es la mejor. La única excepción fue cuando asistió en memoria de los atentados del 11-S.

Veamos a continuación su trayectoria, aunque cabe mencionar que el director norteamericano es conocido por la fascinación y admiración que siente por las mujeres y su privilegiada situación de estar continuamente rodeado de jóvenes promesas hollywoodienses. Ha escrito algunos de los personajes femeninos más reconocidos en la gran pantalla. Por este motivo es interesante señalar la musa que inspiraba su trabajo cuando en las próximas líneas nos sumerjamos en sus películas.

Su aterrizaje en el mundo del cine no fue accidental, él mismo afirma que fue una manera de compaginar todas las cosas que se le daban bien. La evolución artística que siguió podría recordar a la de Charlie Chaplin, ya que ambos comenzaron como actores, luego se hicieron directores y finalmente terminaron convirtiéndose en iconos de la cultura occidental.

Desde su infancia comienzan los dilemas existenciales. De pequeño no le gustó la idea de ser mortal. Podemos ver un guiño a este momento en la escena de la película Annie Hall, donde una madre lleva a su hijo a un psicoanalista porque está deprimido y no quiere hacer nada. El niño se explica diciendo que el universo se está expandiendo, algún día se hará pedazos y supondrá el final de todo. Otra experiencia que le hizo contemplar la posibilidad de su muerte fue una niñera que hizo una muestra de autoridad asfixiándole para enseñarle que ella estaba al mando y si él se portaba mal podría acabar en el cubo de la basura.

Contraportada del Libro Woody Allen, El utimo genio, de Natalio Grueso.

Su primera aproximación profesional a la comedia fue durante la secundaria. En su último año alguien le sugirió que escribiese chistes. Entonces comenzó a enviarlos al periódico y se los publicaron bajo el pseudónimo de Woody Allen. Fue corriendo la voz y varios columnistas respetados empezaron a hablar de él. Por ese entonces escribía cincuenta chistes por día que le pagaban a la salida de clase. Sus bromas comenzaron a utilizarse en shows importantes en boca de grandes humoristas famosos. Con diecisiete años ya ganaba más que sus padres.

Su primera máquina de escribir fue una Olympia portátil, la misma que emplea en la actualidad ya que sigue en perfecto estado.

En cuanto a la construcción de su personaje, decidió llevar las gafas de Mike Merrick, un comediante al que admiraba. Otra de sus influencias fue Mort Sahl, quien introducía en su humor referencias frescas sobre temas de interés para la gente de la época como la psicoterapia, el arte o la política.

Comenzó a escribir obras de teatro en un local donde cada viernes un grupo de actores las interpretaba en directo de cara al público. Participó durante tres veranos y a partir del segundo dirigió y escribió los guiones. Más tarde, cuando actuaba en un local llamado The bitter End un productor de Hollywood se interesó por él y le ofreció escribir una parte en la que actúe en la película Whats New Pussycat. Pero la primera película que dirigió y protagonizó en su totalidad fue Toma el dinero y corre.

Annie Hall (1977).

El fin de esta etapa esencialmente cómica lo marcaría la película Annie Hall. Hasta entonces su interés había sido hacer reír al público. “Sentí que sacrificaría las risas por una historia sobre los seres humanos y que los espectadores se enganchasen a la historia de una manera que nunca antes hubiesen hecho”. La dirección fotográfica estuvo a cargo de Gordon Willis, responsable de las oscuras escenas que envolvían a Marlon Brando en El Padrino. No cabe duda de que pretendía introducir cambios en su estilo, pero por otro lado el humor adoptaría nuevas formas ya que la gracia parte de los sentimientos que experimentan los adultos durante su relación. Además, comenzaría su romance con Diane Keaton, quien acabaría siendo su musa. Con esta película rechazó ir a recoger el Premio Oscar y en su lugar mantuvo el compromiso con el local donde toca el clarinete semanalmente.

Otro suceso importante fue la decisión de dejar de actuar en sus películas. La primera vez fue en la película dramática Interiors. De este modo podía permitirse centrarse e escribir y dirigir las películas de forma más madura y seria.

A medida que fue madurando, el director trató progresivamente de crear tramas más complejas y guiones más serios para acercarse al drama, aunque nunca quedó satisfecho con su trabajo. En Manhattan gana peso la tragedia construida sobre la imagen en blanco y negro. Esta película tuvo una acogida excelente entre el público y las críticas la ponían por las nubes. La revista Times pondría a Allen en su portada ese año. Pero en la mente del artista no cabían tales sentimientos de gloria; Woody había quedado profundamente decepcionado con el resultado final. Pensó que, si eso era lo que mejor podía hacer a esas alturas de su vida, no merecía que le pagasen por ello. Su producto creativo quedó tan alejado de sus expectativas que llegó a contactar con la compañía productora para que la película no se estrenase, a cambio de la realización de otra película de forma gratuita. Por otro lado, Stardust Memories fue odiada por el público, pero es su favorita. Quizás le encaje a la perfección la frase que atribuyen a Leonardo Da Vinci: “Una obra de arte nunca se termina, sólo se abandona”.

Manhattan (1979).

El interés de Allen nunca ha sido crear una obra maestra sino desarrollar aquellas ideas que le parecen interesantes y dejarlas que cobren vida. Dice que tiene un método cuantitativo; hace muchas películas al estrenar una por año y entre ellas a veces se encuentra alguna perla. Es un director con el que muchos actores quieren trabajar ya que es poco directivo y muy flexible. Deja que los actores cambien el guion e improvisen siempre y cuando sea en la dirección adecuada para la trama.

Medianoche en Paris (2011).

Tras un gran número de películas, el salto más reciente fue el estreno de Matchpoint. Podríamos tomarlo como punto de referencia para otra etapa en la obra de Woody Allen, ya que iniciaría una secuencia de rodajes fuera por Europa: Londres (Matchpoint), Barcelona (Vicky Cristina Barcelona), París (Medianoche en París) y Roma (A Roma con Amor). También comenzaría su admiración por Scarlett Johansson quien comenzó a ser su musa y repitió varias veces en sus películas. Su última película, Café society, goza de buena acogida entre el público. También podemos disfrutar de su primera serie de TV Crisis in Six Scenes, recién salida del horno.