Sandra Yagi

Artista californiana propia de San Francisco que a través de sus pinturas busca examinar la psique humana, lo macabro y la influencia de la naturaleza y la ciencia. Su interés se centra en la intersección entre ciencia y arte, usando temas de anatomía, manipulación genética, evolución y rarezas médicas como herramientas en la creación de pinturas intrincadas de pequeño y mediano tamaño.

En sus obras encontramos la representación de mundos extraños donde la carne es maleable, el esqueleto de los gemelos unidos al nacer juegan, los simios desollados invaden los cánones históricos del arte occidental y las criaturas pequeñas, delicadas y genéticamente híbridas generan curiosidad y simbolizan enigmas morales.

Ring of fire

-En primer lugar cuéntanos como se conformó Sandra Yagi. ¿Cómo fueron esos primeros contactos con el arte?

-Cuando era niña, siempre estaba dibujando. Mi madre todavía tiene libros en los que escribía dibujos en las cubiertas interiores en blanco, incluyendo su libro de oraciones budistas. Mi madre es muy creativa y heredé sus sensibilidades y capacidades artísticas. Además siempre he tenido un gran amor por la naturaleza y la ciencia. Tenía un pequeño telescopio para mirar la luna, un microscopio para mirar protozoos en el agua del estanque y otras pequeñas maravillas. Mi tío animó mi amor de la naturaleza y la ciencia.
Mi padre y yo a menudo discutíamos sobre mis futuros planes de educación y carrera. Mis padres, que habían sido encarcelados en campamentos de reubicación junto con otros japoneses-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, pensaban que era muy arriesgado como resultado de su experiencia. Me desalentaron fuertemente de estudiar arte e insistieron en que me enfocara en algo práctico. Siempre estaba dibujando cuando era niña, pero el alegato de mi padre era: “los artistas son muertos de hambre”; así que tomé su consejo y seguí una carrera en finanzas/banca comercial, a pesar de que yo amaba el arte y la ciencia.

Hells half acre

Retomé mi inspiración y mi arte tras conocer a una mujer mayor escultora que me aconsejó que no esperar hasta que yo fuera vieja y ya no tuviera la energía necesaria para la creación de arte. En ese momento no había prestado mucha atención a la naturaleza finita de la vida. Llegué a la conclusión de que si mi vida terminaba en ese tiempo, me arrepentiría de no haber perseguido el arte. También me di cuenta de que estaba tratando de ser alguien que no era, y que necesitaba encontrar una manera de convertirme en un artista a tiempo completo. Corté mis horas de vuelta al banco y me inscribí para cursos de educación continua en dibujo y pintura.

Salí de la vida corporativa en 2008, haber estado atrapada en ese mundo durante 27 años ha alimentado  algo de la angustia que se filtra en mi arte. Recientemente hice una pintura de un cráneo con un zorro atrapado siendo atormentado por cuervos. Esto es a menudo como me sentía en mi trabajo – lista para roer mi pata para salir de la trampa de acero cruel de mi trabajo. Nunca encajé realmente con la cultura corporativa.

Mi obra comenzó muy tradicional, incluyendo naturalezas muertas y paisajes en acuarela. Me aburrí de eso y con el tiempo volví a explorar los temas que amo, incorporando anatomía, esqueletos y animales, símbolos y metáforas de la naturaleza humana.

-¿Cómo encuentras el ambiente artístico cultural en tu ciudad? ¿Es tan liberal, abierto y moderno como se proyecta en el extranjero?

-Es un lugar extraordinario para una persona creativa. Sin embargo, gran parte de la comunidad artística ha sido desplazada a medida que las empresas de tecnología de Silicon Valley se han mudado, y la afluencia de trabajadores de tecnología causó un aumento de alquiler de apartamentos y precios de bienes suelo. Todavía hay muchos artistas que se mantienen encendidos y, aunque un número de galerías se han movido, allí están todavía algunos galeristas.

También tenemos museos de arte y escuelas de arte decentes. El mejor aspecto de San Francisco es que no siento que haya una presión social para conformarse con las clases medias de América. Como un amigo mío dijo: “es un gueto para los diferentes”.

Falconer

-¿Cómo ves la situación de la mujer en el mundo del arte, y más ahora con Trump?

-Con Trump atacando la libertad de prensa y su apoyo a la cultura de la violación, es más importante que nunca que las mujeres hagan arte, que expresen su punto de vista y que promuevan un cambio social positivo. De hecho todos los artistas necesitan expresar y documentar lo que es vivir en este tiempo turbulento. El arte también alienta el pensamiento libre y puede ser un catalizador para la justicia social y el cambio.

-¿Cómo definirías tu arte?

Feathertail possum

-Mi trabajo se describe mejor como representación realista de escenas que son de la imaginación. La imaginería es una exploración de la línea borrosa entre la humanidad y nuestra naturaleza animal. No creo que mi trabajo encaje perfectamente en el género pop-surrealista, pinto de forma más realista y clásica que el estilo de pintura que a menudo se encuentra en la categoría anterior. El surrealismo pop tiene en su ascendencia el género clásico de cómics y también tiene elementos de anime, y ninguna de estas áreas ha influido en mi trabajo. Sin embargo, como el surrealismo pop, mi trabajo tiene un sutil humor oscuro.

-Tu trabajo está muy estrechamente unido a la investigación. ¿Cómo surge esa “obsesión” por la manipulación genética o las rarezas?

-He descrito mutantes e híbridos en numerosas obras que comienzan con una pintura que hice en 2002 acerca de la ingeniería genética y cómo podría ser mal utilizada. Inicialmente estaba interesada en retratar la perversión de la naturaleza por la crianza artificial, la hibridación y el mal uso de la ciencia para satisfacer nuestros propios fines. Un ejemplo de la vida real es el brillo en los gatos oscuros que se desarrollaron mediante la inserción de un gen de medusas en un embrión de gato. ¡Todo para nuestra diversión! También desconfío de la ingeniería genética hecha por los gigantes de la agroindustria para aumentar su rentabilidad  (temo que comprometerán la seguridad de los seres humanos y el medio ambiente en su búsqueda de beneficios y monopolización mundial).

Algunos híbridos han sido muy beneficiosos. Nuestros antepasados, por ejemplo, ​​cruzaron caballos con burros y desarrollaron mulas, que son animales domésticos firmes y trabajadores. Otros híbridos no tienen sentido y son verdaderas perversiones, el ligre (cruce de tigre y león), por ejemplo, es demasiado grande y engorroso para sobrevivir en la naturaleza. Creo que este tipo de experimentación es cruel. ¡Ninguna criatura, híbrida o no, fue dañada en la fabricación de mis pinturas!

Mi cuestionamiento de la ingeniería genética, así como mi interés por la evolución, me incitó a preguntarme: “¿Qué pasaría si…?”; preguntas sobre el resultado final de la evolución. Por ejemplo: “¿Por qué la mayoría de las criaturas sólo tienen cuatro miembros? ¿Y si nuestro antepasado común tenía seis?”. Esta línea de pensamiento me ha llevado a crear criaturas híbridas imaginarias basadas en caminos alternativos de evolución.

Trapeze Twins

-Si hay un gran protagonista en tus obras son los esqueletos ¿Qué representan para ti?

-Los esqueletos tienen un poderoso significado simbólico en todas las sociedades y culturas. Los utilizo como símbolo de extinción de especies animales a manos de la humanidad, así como símbolo de mortalidad. Además creo que los huesos son estructuralmente hermosos.

-Tu obra bebe mucho del surrealismo. ¿Cuánta carga onírica personal hay en ellas?

-Mis sueños se han vuelto muy aburridos y mundanos desde que he empezado a pintar y dibujar diariamente, solía ​​tener sueños extraños cuando estaba atrapada en mi trabajo corporativo. Tal vez sea porque mi mente ahora tiene una salida creativa y no requiere que los sueños nocturnos se expresen.

-¿Las diferentes hibridaciones responden a un recurso estético o hay un discurso tras ellas?

-Mi principal motivo es la estética, creo que estas criaturas híbridas basadas en combinaciones de colores y la propia estética de la forma es suficiente, pero también las considero cómo criaturas que se adaptarían a su entorno. A veces me combinan las criaturas como un juego de palabras, por ejemplo, pinté un “rinobeetle” como un escarabajo con una cabeza de rinoceronte.

-¿Qué artistas forman parte de tu universo creativo?

Captured

-Me encantan tantos períodos y estilos de pintura que han influido en mi obra… En el renacimiento Bosch, Titian, Van Eyck; los primeros ilustradores anatómicos, como Vesalius y Albinus. Maestros más recientes como Dali, Teraoka y Walton Ford; y también artistas que eran naturalistas como Audubon, John Gould y Maria Sibylla Merian me inspiran. Me atrae el arte realista, así como el arte fantástico.