Jana Brike: “Tal vez tienes que aprender a nadar y después ser arrojado a las aguas profundas. Conmigo sucedió al revés”

-Eres de Letonia. ¿Qué tal fue iniciar tus primeros pasos artísticos bajo ese contexto?

-Es un lugar con una historia complicada y violenta, pero también es tranquilo y está protegido de la naturaleza extrema. También hay un patrimonio cultural que es más profundo y más significativo que su historia escrita, para mí. Aunque he vivido en este país durante toda mi vida, han sido lugares totalmente diferentes desde el momento en que nací. Mis primeros pasos artísticos fueron en mi primera infancia, cuando el gobierno soviético aún no había terminado, por lo que mi viaje profesional ha sido más allá de mis sueños infantiles más salvajes.

-¿Cuánta influencia ha tenido haber crecido bajo la presencia y sombra soviética?

-Por supuesto, mi infancia ha influido en mi persona de alguna manera. Me ha hecho bastante crítica con el sistema, cualquier sistema con reglas impuestas desde arriba, en el que me encuentre viviendo. Me ha hecho apreciar mucho más las cosas que tengo. De las libertades que puedo disfrutar, elecciones que me hacen ser mucho más libre. Pero no puedo decir que mi infancia esté configurando directamente mi arte de ninguna manera. Me gustaría pensar que es mucho más que un derivado de un sistema político.

Mi infancia ha influido en mi persona de alguna manera, me ha hecho bastante crítica con el sistema”

-Llevas exponiendo desde que eras adolescente y has realizado innumerables exposiciones individuales y colectivas por todo el mundo. ¿Cómo fue vivir toda esta experiencia desde una etapa tan joven? ¿Con cuál te quedarías de todas? ¿Hay alguna que te dé especial nostalgia recordar?

-Sí, comencé a exhibir desde muy joven, mucho antes de formarme como artista, y tal vez eso no fue muy inteligente. Tal vez tengas que aprender a nadar primero y después ser arrojado a las aguas profundas, pero conmigo sucedió al revés. Casi me ahogo unas cuantas veces, pero al final valió la pena.

No puedo y nunca podré separar una pieza o proyecto de mi trabajo sobre el resto, todos ellos y cada uno de ellos tienen un lugar relevante en mi historia. Todo mi trabajo tiene igualmente una parte de mí, un aspecto de mí. Pero definitivamente siempre es la última serie o la que estoy trabajando en este momento.

-Además de la pintura, has experimentado con otras disciplinas como el dibujo, la animación, la escultura de medios mixtos, la instalación y el arte digital. ¿Con cuál te quedarías? ¿Cuál te hace sentir más cómoda?

-Solía hacer en su mayoría medios mixtos con trabajo digital durante varios años, pero ahora se convirtió en pintura al óleo en su mayoría.

Realmente amo la pintura, y tal vez es por eso que trabajo este medio sobre todo. Pero también hay razones prácticas, he establecido una relación con las galerías, mis exposiciones están programadas con al menos tres años de anticipación, no tengo todo el tiempo que me gustaría para los experimentos. Siempre espero que haya más tiempo para eso en el futuro.

Tal vez me tome un año fuera de las exposiciones para seguir nuevas direcciones.

-¿Cuánto de biográfico hay en tu obra?

-Todo es biográfico de alguna manera alegórica poética. Todo mi trabajo es acerca de las experiencias y las condiciones humanas, y por supuesto, lo cuento a través de mí misma, mi vida, mi percepción. Pero crear una pintura es un proceso largo que lleva semanas, a veces meses, y en algunas ocasiones incluso años. Así que no es como escribir una autobiografía, donde solo es un hecho que indica que esto o aquello me pasó a mí. Trabajo demasiado tiempo, así las experiencias más oscuras se transforman en el proceso y solo queda la luz, con solo un indicio de una cicatriz o una sombra a la izquierda.

-Tus obras respiran pura luz y frescura, y más en concreto en tu última serie Sea of ​​Change, es la ejemplificación de lo dicho anteriormente. ¿Qué te inspira a la hora de crear estas piezas?

-Sea of ​​Change fue un trabajo muy especial y, en cierto modo, diferente. Era un encargo, pero era libre de seguir mis propias inspiraciones y contar mi historia como quería. Es una historia sobre la vida de una mujer. Es una historia sobre el crecimiento del yo. Y también es una historia sobre un cambio.

Este cambio se produce en múltiples niveles: los mares y el clima están cambiando, nuestra perspectiva también está cambiando hacia donde la Tierra no puede tomarse como un recurso para agotar despectivamente, sino como una madre para amar y honrar. Nuestros cuerpos y nuestras personalidades están cambiando y, a través de eso, nuestra percepción de la vida y del yo. Comencé mi trabajo sobre los conceptos e ideas hace tres años, y en estos tres años, mientras desarrollaba y trabajaba en las pinturas, el mundo también ha cambiado socialmente: la forma en que vemos a una mujer, cuánto se escucha y valora su voz en el mundo, la forma en que trabajamos juntas como mujeres, hermanas y madres, e hijas y abuelas. Todo ha cambiado de muchas maneras y sigue cambiando. Es nuestra responsabilidad hacer ese cambio para mejor en todas las formas posibles.

Parto de las culturas primitivas donde el cazador y el cazado, el humano y su presa, estaban profundamente conectados”

-Algo en tu trabajo me recuerda mucho a Botticelli. ¿Qué referentes tienes a la hora de enfrentarte a la acción plástica?

-Hago bocetos y tomo muchas fotos como referencia, pero no las reproduzco una a una en las pinturas. A veces utilizo algunos materiales encontrados al azar, pero lo cambio todo, mezclando y conectando de nuevas maneras. Nada del trabajo final es 100% seguro cuando comienzo a pintar, todo puede cambiar.

-Las referencias animales son coprotagonistas de las humanas en tus producciones. ¿Reflejan algún simbolismo en concreto? ¿De dónde viene el uso de animales como elemento metafórico en tu obra?

-La conexión humano-animal en formas metafóricas o espirituales es tan antigua como la cultura misma. Parto de las culturas primitivas donde el cazador y el cazado, el humano y su presa, estaban profundamente conectados, dos lados del mismo aspecto. En mi exhibición Sea of ​​Change, este simbolismo era de varios tipos, algunos muy intuitivos y libremente interpretativos, pero algunos personales y muy particulares. Por supuesto, estas bestias espirituales pueden representar algo de nuestra naturaleza, cada mujer es una tigresa y, a veces, una serpiente, una perra o una paloma, una mariposa o un cisne. O todos juntos a veces.

-El mar también es un elemento básico en tu última serie. ¿A qué responde?

-El agua en todas las culturas ha sido el elemento de la feminidad, de la fluidez, de las emociones y del profundo inconsciente. En las pinturas se siente tumultuoso y peligroso, pero las mujeres están en paz y son las amas del cambio. No veo el entorno como externo a mis personajes ni a mí misma. Es un vendaval dentro del espacio del alma. Puede ser mortal o puede ser tu fuerza y tu poder. Puedes ser tragado por él o puedes poseerlo y vivirlo, y montarlo, y ser así.

-¿Por qué la figura del hombre no aparece en tu serie? ¿Por qué solo mujeres?

-Soy una mujer. Si pinto hombres pueden ser solo lo que un hombre puede ser en la psique de la mujer: amantes, hermanos, padres, pero nunca realmente el yo.

Mi objetivo con Sea of Change era contar una historia sobre la sucesión y los cambios en el yo a través de la vida de una mujer, sobre diferentes manifestaciones de lo femenino a través de un paseo de figuras femeninas y animales arquetípicas. Soy una mujer que representa la vida de una mujer en su calidad y propósitos numéricos, su movimiento hacia su ser más libre. No es tan frecuente que una mujer sea representada, a través de los ojos de una mujer en la historia del arte, como la única heroína de su propia historia, como una diosa creadora viviente de su propio universo. Creo que es muy importante vernos de esa manera, reclamar nuestro propio poder, belleza y fuerza como nuestras propias cualidades inherentes que no dependen de las circunstancias o la validación externa.

Deberíamos cambiar todo el paradigma en sí mismo, hacia una forma más femenina, donde no solo se valoren los logros, las victorias, las conquistas y el poder directo, sino la vida en todas sus formas”

-La serie al completo representa una especie de procesión folclórica. ¿Qué están celebrando? ¿Hacia dónde se dirigen?

-Yo celebro la vida. Están atravesando la vida, con todo lo que eso conlleva, a través de diferentes edades, etapas, dolores, alegrías, victorias y pérdidas, y así sucesivamente. Las pinturas se exhibieron en un círculo, y se siguen casi a la perfección, así que de hecho caminan en círculo como si no llegasen a ninguna parte. No hay un destino, ya que no hay nada realmente en la vida, solo experiencias y lo que hay en tu corazón y tu mente.

-Tu trabajo respira un feminismo en eclosión. ¿Cómo ves la situación de la mujer contemporánea? ¿Qué opinas de las diferentes olas feministas que ha habido en los últimos años?

-Pensaría que mi trabajo respira lo que soy, y soy una mujer. Mucho se ha hecho en la historia reciente para cambiar la situación de las mujeres, para darles un lugar y ser un humano válido y no una propiedad de los hombres en la sociedad, y eso no puede ser subestimado. Sin embargo, estamos evolucionando y aún tenemos que cambiar, incluso solo para sobrevivir, y mi opinión personal es que el enfoque tiene que cambiar. Los movimientos feministas a menudo luchan para que las mujeres compitan y les otorguen un lugar igual al de los hombres en el mundo de los hombres, en otras palabras, entrar dentro de un paradigma extremadamente masculino de siglos de antigüedad. Sin embargo, lo que deberíamos hacer es cambiar todo el paradigma en sí mismo, hacia una forma más femenina, donde no solo se valoren los logros, las victorias, las conquistas y el poder directo, sino la vida en todas sus formas.

-¿Qué relación dirías que existe entre tus pinturas y la poesía?

-Para mí las obras de arte visual son poéticas en el sentido de que no tienen este “mensaje” unidimensional y directo. Es más bien una compleja metáfora de múltiples capas que te habla a través de tirar de las cuerdas del corazón en lugar del cerebro analítico consciente.

-El erotismo también se podría decir que es un pilar fundamental dentro de tu trabajo. ¿Cuál dirías que es tu enfoque?

-Es un tema extremadamente complejo. El erotismo es más que un acto de sexo, es una total aceptación de estar vivo en un cuerpo humano, una conexión con uno mismo y, a menudo, con el otro. Creo que muchos adultos saben que a veces el solo toque de la punta de los dedos de una persona con la que te conectas de forma extraña, puede tener más erotismo que una vida de sexo con otra. Y no solo eso. La sexualidad es una fuerza vital fundamental que es independiente de tener una pareja sexual, es una alegría manifiesta de energías de vida tumultuosas, inherente a todo lo que vive.

La belleza absoluta del amante es, de hecho, la Divinidad, la separación del amante es el dolor de estar separado del estado de unidad divina”

Y aún más que eso. Me siento muy atraída por cómo se representa el erotismo y el amor romántico en la obra poétrica de los maestros sufíes. Sí, hay una capa en la que puedes percibirla en un sentido directo como el anhelo por tu amante que te brinda una profunda conexión mutua entre el alma y el físico, retratada a través de versos que son ambos: seguir el canon más fuerte e improvisar. Pero tiene una connotación mucho más amplia y profunda asociada a un camino espiritual de iluminación. Donde la belleza absoluta del amante es, de hecho, la Divinidad, la separación del amante es el dolor de estar separado del estado de unidad divina, es la noche oscura del alma, pero el deseo de estar unido con el amante es una metáfora. El anhelo de unir lo físico y lo absoluto. Lo sexual es el éxtasis de estar en una unión de conciencia con lo absoluto. Gran parte de este mismo simbolismo se puede encontrar en el trabajo de los filósofos de la época de Platón y en la poesía italiana de la época medieval. De hecho, todos los viejos cuentos de hadas terminan en matrimonio, y muchas veces me he preguntado si es solo eso: un viejo mapa secreto para la ascensión de lo físico.

-En trabajos anteriores como los del 2015 o 2013 se puede observar un mayor acercamiento a tendencias artísticas como el art-lowbrow más naif. ¿A que se debió el cambio hacia un alejamiento de lo naif?

-Usé más los medios digitales, y mis figuras eran mucho más abstractas, infantiles y ajenas en aquel entonces. Creo que desde entonces he abrazado mucho más mi cuerpo humano y mis experiencias en lugar de alienarme y sentirme un observador distante en mi vida. Así que diría que es un cambio de todo mi ser, más que un enfoque o una tendencia o algo relacionado con el trabajo.

-¿Cuál ha sido tu última experiencia exponiendo? ¿Nos podrías contar alguna anécdota?

-Las inauguraciones son siempre una mezcla de ansiedad y emociones muy positivas. Durante los últimos meses de trabajo en una exposición individual, siempre estoy tan atrapada en mi estudio-cueva que casi no recuerdo cómo hablar cuando salgo. Así que en las aperturas a menudo me siento tan abrumada que necesito algunos días en la naturaleza para recuperarme. Pero todavía amo cada paso de ello.

-¿Qué podremos ver en tus próximos trabajos? ¿Cuál será la ruta a seguir? ¿Dónde podremos verlo?

-He intentado seguir caminos preestablecidos, pero eso simplemente no funciona. Va de proyecto en proyecto, por lo que no hay un objetivo final. Pero lo que estoy trabajando en este momento es una exposición individual que se abrirá en la galería Corey Helford en Los Ángeles este agosto.