Estampa 2019: mirada desde Canarias y más allá del Atlántico

Parece que es desde Madrid, o Barcelona, desde donde el mercado del arte se vuelve nacional e internacional. Es por este hecho, incontestable aunque no aceptable, que las ferias de arte son un instrumento para la expansión de un artista, y mucho más si este es canario. Así es como lo ve Frasco Pinto, director de la Galería Artizar desde 2008, como “una plataforma imprescindible para proyectar a tus artistas, conocer coleccionistas y legitimar el trabajo”.

La última de estas ferias internacionales de arte ha sido Estampa2019, “un punto de encuentro de todos los profesionales del sector”, explica Pinto. Directores de museo, comisarios, críticos, galeristas y artistas conviven durante 4 días en el mismo sitio, en un “lugar común en el que suceden cosas, como intercambiar proyectos, exposiciones, artistas, etc.”.

A esta feria del coleccionismo y el galerismo acudieron desde Canarias tres: Artizar (San Cristóbal de La Laguna), con el grancanairo Carlos Nicanor y el tinerfeño Santiago Palenzuela (y dos artistas más cubanos, Manuel Mendive y José Bedia); la Galería Manuel Ojeda (Las Palmas de Gran Canaria), con un solo project de la joven Lía Ateca; y Leyendecker (Santa Cruz de Tenerife), con Francisco Rodríguez Pino (Chile) y James English Leary (EE.UU.).

Comencemos a ahondar un poco qué significa acudir a estos grandes escaparates internacionales, en estos grandes mercados, y centrémonos en lo nuestro: ¿dónde queda el arte canario en el mercado del arte contemporáneo, tanto nacional como internacional?

Jardín con sombra (2018). Acrílico y técnica mixta sobre madera. Obra de Lía Ateca.

De las 80 galerías que asistieron a la feria solo 3 fueron desde Canarias, esto es un 3,75% del total; y de artistas canarios más de lo mismo. “Supongo que no nos educan para soñar”, cuenta Lía Ateca, “nunca me imaginé que estaría exponiendo mi obra en Estampa”. Este es el efecto de no pertenecer al circuito que crea la infrarrepresentación de los canarios en el mundo del arte contemporáneo. Manuel Ojeda, su galerista, ve estos eventos como “un mal necesario, sobre todo para las galerías de la periferia”.

Él se refiere a que las ferias, como monopolizan la adquisición de obra por parte de las Administraciones públicas, “minan la viabilidad de las galerías”. Y Ojeda plantea dos salidas al problema que sufren: “o que las Administraciones vuelvan a las galerías o subvencionarlas para que puedan participar en las ferias”. Y Ateca se muestra “eternamente agradecida” a su galerista porque, al fin y al cabo, de lo que se trata es de “parné”. “Parece que tenemos como tabú hablar de negocios en este mundo”, dice la artista, y esto da como resultado “artistas que reciben un euro y lo muerden a ver si es de chocolate”.

Pero hay cash flow en varias direcciones. “Otro problema de las ferias de arte es el precio que las galería tienen que pagar por participar”, explica Manuel Ojeda, y más aún si presentas a artistas emergentes, ya que su obra tiene precios más bajos. En esta situación, siendo el precio del stand en la feria superior a lo que vas a exponer dentro, “es imposible que se pueda rentabilizar”.

Jardín con sombra (2018). Acrílico y técnica mixta sobre madera. Obra de Lía Ateca.

Es por esto que ambos, Ateca y Ojeda, convergen en una misma postura: ayudas. Para que “lxs artistas canarixs puedan dedicarse al desarrollo de sus proyectos creativos”, esgrime la artista, y ayudas “para promocionar a nuestros artistas”, sostiene Manuel Ojeda, porque “no se puede hacer siempre ese sacrificio”. Explica que se subvencionan a través de Canarias Crea, con menos de 1.000€ para cada una, “cuando entre embalajes, transporte, alquiler del stand más pequeño, seguros, material publicitario, personal del stand, alojamiento, manutención y un sin fin de otros gastos, tenemos que pagar más de diez mil euros”. Las cuentas no salen.

Desde Tenerife el panorama parece ser el mismo. A Artizar, con Frasco Pinto a la cabeza, le supone “casi siempre pérdidas importantes, normalmente queda lo comido por lo servido. Y a parte de asistir a estas ferias para proyectar a sus artistas y conocer coleccionistas, también acuden para “legitimar el trabajo del día a día”. Pinto lo explica así: “Ya puedes tener una programación exquisita en tu galería, que ningún crítico, comisario o periodista de la península va a molestarse en indagar si no ha habido un contacto previo”, y estos suceden en las ferias.

Para Santiago Palenzuela “es el dinero el que hace que todo se pervierta y se confunda en ellas el diseño con el arte”. Y es que “aunque lo necesite para comer”, dice, no se halla bien ahí, en el “mundo perverso del arte”. Aún con todo, Palenzuela ve esencial y fundamental la visibilidad del trabajo del trabajo de “artistas en territorios de ultraperiferia”. Las dificultades que el sistema aduanero pero al transporte de arte entre Canarias y la Península, “es el indicativo claro de que seguimos siendo una colonia y no existimos para la Metropoly”, sentencia el artista.

Duggi 36 (2019). Óleo sobre lienzo. Obra de Santiago Palenzuela.

Así, los dos artistas y los dos galeristas, llegan a un punto en común: los canarios no estamos bien representados y las administraciones no hace nada. “No existen políticas culturales que contemplen el paradigma del artista insular, solo parches para salir del paso”, denuncia Frasco Pinto. Cuenta que hay modelos de subvenciones autonómicas, como el caso de Baleares, Cantabria, Cataluña o Aragón, y hace la siguiente pregunta: “¿Cómo podemos competir estando incluso más aislados?”. Visto el caso de las regiones anteriores, sentencia, que “hay soluciones y modelos, pero para eso hace falta voluntad política”.

Y en el caso de la propuesta de Leyendecker, con Lele H. Colomer y Ángel Luis de la Cruz en cabeza bicéfala, es singular. “Que Leyendecker apueste por artistas jóvenes, y más significativo aún es cuando esos artistas son latinoamericanos”, explica Francisco Rodríguez Pino. Aun no siendo de Canarias, explica lo que significa que una galería como esta te elija para una feria como Estampa: “Para la mayoría de los artistas, sino todos, es sumamente valioso, independiente de que galería sea. Ahora, cuando la galería es una con cuarenta años de trayectoria y con una actividad permanente, mostrando artistas y creciendo con ellos, sientes que tú carrera a nivel Iberoamericano está muy bien acompañada”.

Underground (2018). Óleo sobre lienzo. Obra de Francisco Rodríguez Pino.

Francisco Rodríguez Pino, aun siendo chileno, no hace distinciones respecto al origen del artista. Para él es igualmente importante que artistas africanos, de oriente medio y oceánicos, estén lo suficientemente representados en este mundo: “Que los artistas de regiones alejadas de los centros históricos de poder y riquezas estén cada vez más presentes es positivo para derrumbar prejuicios a nivel cultural y de las comunidades”. Y no solo lo dice como una herramienta de compra-venta, para Rodríguez tiene un trasfondo también social: “Si el europeo promedio conociera más sobre las producciones culturales de los países africanos, no surgiría con tanta facilidad el carácter xenófobo”, ilustra.

Sunset with dogs (2018). Óleo sobre lienzo. Obra de Francisco Rodríguez Pino.

Llevándolo a su tierra, el arte latinoamericano está, según él, “más representado que antes, creo que aún no lo está suficientemente”. Y otra vez surgen las administraciones públicas, también más allá del Atlántico: “La responsabilidad es debida al sistemático desinterés de nuestros propios países y el descuido de sus instituciones culturales”. Él lo ve como una tarea pendiente de los países y mercados hegemónicos, “como centro de poder cultural y financiero”, y su visión es que deberían “integrar producciones, en este caso latinoamericanas, en instancias de consumo cultural para la educación de sus propias audiencias”.